뉴욕시 발레단의 오랜 기간 동안 의상감독을 맡았던 분이 연기 예술에 패션을 가져오는 방법

뉴욕시 발레단의 75주년을 기념하여 리조리와 지난 17년간 무대복 감독을 맡은 마크 하펠이 “뉴욕시 발레단: 안무와 패션”이라는 새 책에 협력했다.

하펠은 실제로 이 아이디어를 5년 전에 떠올렸다. 사라 제시카 파커와 같은 문화 거물들(파커는 뉴욕시 발레단의 이사로 활동하고 있다)이 무용과 패션의 경계에서 왔다갔다하는 도움으로, 그는 패션의 엄청난 재능을 연기예술과 융합시켰다. 또한 가장 동요를 촉구하는 디자이너들과 관계를 맺고 무용단의 의상부서를 현존하는 놀랍도록 강력한 힘으로 성장시킨 하펠의 이야기를 전하게 되었다.

아래에서는 그가 연극에 처음 발을 디디게 된 경위, 의상이 공연에 절대적으로 필수적인 이유, 그리고 이 책을 만들기 위해 필요했던 것들에 대해 알려주었다.

의상 디자이너로 처음 시작했을 때, 브랜드 디자이너 등 다른 직업을 선택하기보다 연극의 세계에 끌렸던 이유는 무엇이었나요?

나는 미네소타의 거스리 극장에서 일하고 있었을 때, 친구에게 뉴욕에서 새로운 보브 포세 뮤지컬 “댄싱”이 브로드웨이에서 곧 오픈한다고 들었고, 의상 작업실이 많이 밀려있어 도움이 필요하다고 알려주었다. 우리는 스테이션 왜건으로 뉴욕으로 갔고, 나는 여기로 이사를 왔지만, 내가 정말 무엇을 하게 될지 또는 여기에 머무르게 될지는 몰랐다.

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나는 보브 포세와 함께 “댄싱”을 작업하게 되었고, 동시에 세계 패션 중심지 중 하나로 이사하게 되었다. 그래서 나는 두 가지 사이에서 갈등을 느꼈는데, 패션 산업에서 일하고 싶지만 연극 의상 교육을 받았기 때문에 연극 의상이 더 맞다고 생각했다. 각 디자인마다 들어가는 역사 연구가 흥미로웠기 때문이다. 패션에서는 항상 앞을 바라보고 있는 느낌이 들었고, 과거를 그리 감상하지 않는다.

귀하의 관점에서 연극과 패션(뉴욕의 두 가지 가장 강력한 커뮤니티로 볼 수 있다고 할 때)는 어떻게 상호작용하나요?

디올과 같은 오래된 디자이너들은 많은 경우 발레 의상에서 영감을 얻는 것을 볼 수 있다. 특히 예전에는 패션에서 로맨틱한 튜튜의 힌트를 종종 볼 수 있었다.

무용에 있어서 의상은 무대 위에서 일어나는 이야기에 얼마나 중요한 역할을 하는가요?

연극에서는 의상을 통해 캐릭터를 만들어가는 것이 명백하다. 나는 배우가 처음으로 의상을 입었을 때 피팅을 하면서 “내가 지금 연기하고 있는 캐릭터를 보는 것 같다”고 말하는 경우를 많이 경험했다. 발레에서는 의상이 방해가 된다고 생각하는 사람들이 많다. 많은 안무가와 무용수들은 의상이 몸의 라인을 최대한 간단하게 보여줘야 한다고 생각하기 때문이다.

하지만 의상은 관객에게 설정, 무용수들이 누구인지, 이 발레가 어느 시대에 속하는지 등을 알려줄 수 있다고 생각한다. 커튼이 올라가고 고베르트 왈츠의 의상이 나오면, 관객에게 그들이 어디에 있는지 즉시 알려준다.

발레의 의상을 선별하고 디자인하기 시작하는 초기 단계는 어떤가요?

대부분의 경우 안무가는 직접 디자이너를 섭외하지만, 나는 그들과 함께 2차원의 도안을 3차원의 의상으로 변환하는 과정에서 협력한다. 패브릭을 선택하고 피팅을 하며, 무용에 처음으로 참여하는 디자이너를 안내한다. 무용수를 위해 디자인하는 것은 매우 다르기 때문에 그들이 춤을 추는 데 문제가 없도록 만들어야 한다. 그것은 나에게 큰 즐거움을 주는 멋진 과정이다.

많은 유명 디자이너들과 협력할 기회가 있었는데, 무용복을 만든 적이 없는 디자이너와 함께 일하는 경험은 어떤가요?

저는 그들을 자주 리허설 공연에 데려가는데, 그들에게는 무용수들이 정확히 무엇을 하는지, 그리고 그것이 얼마나 운동적인지 직접 보여주기 때문에 눈을 뜨게 됩니다. 그 후에는, 일반적으로 신축성이 없는 원단에서 어떤 일들을 신축성 있는 원단으로 만들 수 있는지에 대해 논의합니다. 예를 들어, 만약 그들이 실크나 오르가자를 사용하고 싶다면, 우리는 그 원단들의 신축성이 덜 알려진 버전을 사용합니다.

비무용 디자이너들이 적응해야 하는 특히 어려운 조정사항은 있나요?

많은 크리에이터들은 몸의 선을 보고 싶어 합니다. 그들은 확장성과 모든 움직임을 보고 싶어합니다. 그것은 제가 디자이너들이 이해하도록 도와야 하는 것이기도 합니다: 의상은 어느 정도 덜 화려해야 합니다.

가장 좋아하는 혹은 가장 기억에 남는 디자이너와의 협력은 어떤 것인가요?

즐거우면서 보람찬 협력이 많이 있었지만, 우리의 첫 번째 커스처 협력사였던 발렌티노 [가라바니]는 정말 흥미로웠습니다. 그는 패션 아이콘의 정의입니다. 그는 항상 관련에 참여하고 싶어했는데, 이는 제가 예상하지 못한 것이었습니다. 또한, 톰 브라운과 자일스 디컨과 함께 일하는 것도 정말 좋아했습니다. 그들과는 친한 사이가 되었습니다.

아이리스 반 헤르펜도 놀라운 협력사였습니다. 그것은 재미있는 일이었는데, 대부분 컴퓨터로 진행되었습니다. 그녀는 저에게 의상이 어떻게 만들어져야 하는지에 대한 다이어그램과 이메일을 많이 보내주었습니다. 그녀는 모든 것이 컴퓨터로 이루어져 있었음에도 불구하고 결과에 매우 만족했습니다.

무용수와 디자이너 사이의 이러한 협력 관계는 일반적으로 어떻게 시작되나요?

이러한 협력은 그동안 점점 더 상황이 되어가는데, 저는 흥미로운 디자이너들의 목록을 작성하도록 요청받았습니다. 보통 각 디자이너는 사라 제시카 파커에게 승인을 받고, 그런 다음 일곱~열 명 정도를 안무가에게 제시합니다.

파커는 우리의 이사회에서 오랫동안 활동하고 있으며, 뉴욕시 발레를 크게 지원하고 있습니다. 우리가 처음으로 디자이너들을 회사와 협력시키기 시작했을 때, 뉴욕 패션 위크는 링컨 센터에서 개최되었습니다. 우리는 신진 디자이너와 안무가들 간의 흥미로운 협력을 생각했습니다.

이 책의 이미지 선별은 어떠했나요? 어떤 아이디어를 꼭 제시하고 싶었나요?

저는 각 디자이너의 스케치와 함께 최종 사진을 결합하여 독자가 이 아이디어가 어떻게 현실화되었는지 볼 수 있게 하고 싶었습니다. 또한, 디자이너, 안무가, 무용수들의 다양한 인용구를 많이 포함하여 뉴욕시 발레를 위해 디자인하는 것이 어떤 경험인지에 대한 통찰력을 제공하고자 했습니다.

파리 두코비치와 함께 이미지 촬영을 일주일 동안 진행했습니다. 그 후에는, 브릴리언트한 책 디자이너인 사라 기포드와 협력하기 시작했습니다. 그녀가 책을 어떻게 구성하는지 정말 좋아했고, 제가 이 책이 어떻게 보여야 하는지에 대해 매우 명확한 생각이 있었기 때문에 그녀는 매우 인내심을 가지고 있었습니다. 그녀는 처음에 나와 만날 때 웃었는데, ‘나는 하얀 페이지가 없어야 한다. 열 때 보석함처럼 보여야 한다’고 말했기 때문입니다.

독자들에게 남고 싶은 중요한 메시지가 있나요?

저는 사람들이 뉴욕시발레단의 의상이 어떤 것인지 보기를 원합니다. 많은 사람들이 이 과정이 얼마나 놀라운지 실제로 보거나 이해하지 못하는 것 같아요. 이 책은 뉴욕시발레단 의상 작업실에서 나오는 디자이너들, 생각들, 실루엣 등의 놀라운 다양성을 축하합니다. 이곳에서 일하는 예술가들은 발레의 무명의 영웅들입니다.

오늘날 산업에 진입하려는 젊은 의상 디자이너에게 어떻게 조언하시겠어요?

어떤 방식으로든 역사와 연결을 맺으세요. 과거를 살펴보세요. 저는 현재는 미래를 보는 것에 관한 것이지만, 그 중 상당 부분은 이미 예쁘게 디자인된 과거에 기반한 것입니다.

이 인터뷰는 명확성을 위해 편집되었습니다.